Vantage Point (o Mirame que me gusta)

8 puntos de vista sobre Vantage Point:

1) Vantage Point entretiene. Punto y seguido. Tiene casi todos los vicios del típicio "Cine Hollywodense". Eso la baja en su categoría "artística". Pero si a una película solo queremos pedir entretenimiento, Vantage Point nos asegura una buena cuota de él. Eso si, no vayamos muy al fondo, ni la pensemos demasiado. Ahí es donde podemos quedar un poco descepcionados.





2) Parte de una premisa más que interesante, aunque no original u innovadora: un mismo hecho narrado desde 8(¿?) posiciones. Consideración A: no pude encontrar los famoso 8 puntos de vista que tanto mencionan en los afiches u en las sinopsis. Me quede con 6 que podrían llegar a ser 7. Pero el tema es la parte final que rompe con esta premisa y pasa a ser el punto de vista de todos o nadie. Hubiera estado bueno un poco de esfuerzo creativo para mantener una premisa tan fuerte. No sé, a mi mientras la miraba me hizo ruido: ¿A quien corresponde esto?. De repente es todo, pero no, es nadie.














3) El verosímil al filo: Que se yo, uno porque en este tipo de películas no se pregunta esto, pero... a) Forrest Whitaker va a correr con la cámara prendida y filmando en todas esas circunstancias? Que se yo, después se quejaban del "Proyecto Blair Witch" b) Lá tipica persecusión de autos es una escena impactante y atrapante, ahora de real solo tiene la marca de los autos. Ni un muñeco de prueba de choques resisitiria lo que resistió Dennis Quiaid y su transporte. Pero en el medio de todo...vamos para adelante!!! Dennis Quaid es aqui nuestro gran héroe!.Como hacerlo morir!!! Es como nuestro "Terminator". Porque despues de que lo choca el camión y lo aplasta contra la pared...el tipo se para y sale arreglandose el auricular como si nada. Me hizo acordar a la escena de Terminator que el camión lo agarra al T2 y lo incinera, y el flaco sale caminando como si nada, con la mejor cara de "Muerto yo? je!!!aca EStoy!!" Ah.. otra cosa: Se puede prender un ventilador con una palm? Que bueno, quiero eso para el verano que viene! Ah no, lo de disparar a travez de la misma palm, eso se lo dejo a otros.














4) Me faltó el plano de la bandera Estado Unidense para que rebalse el orgullo "Yanqui" y me trepane el cerebro. Que presidentes más valerosos. Que ideales tienen. Sus frases "No bombardearemos un país amigo, vamos a enfrentar estos atentados con paz!!!"- es el reflejo opuesto de sus gobiernos. Se ve que el 11-S los dejó demasiado suceptibles y de alguna manera tienen que reivindicarse de sus pecados!Y lo hacen mediante el CINE!!!! MALDITOS!!! AH, los terroristas vuelven a ser "árabes-turcos", que son lo mismo y más de lo mismo.














5) Star Sistem al palo! Figuras de la talla de Dennis Quaid, Forrest Whitaker, Mattew Fox, Eduardo Noriega, no podían no engalardonar la película. Ahi parados, resplandecientes.
Lastima que el exito de Mattew Fox en Lost, hace suponer muy tempranamente que su papel no puede ser solamente el del "acompañante" del guardaespaldas; y por lo tanto acelera la dedución de que está implicado en esta "conspiración". Si no la hubieran promocionado como "La película de Mattew Fox!!, quizas podríamos creer un rato más que el no tenía nada que ver.

6) Si me gustó mucho que Mattew Fox sea malo. Puede hacer un papel que no sea el de Jack!!! Le tenía fé. Pero había que verlo. Y habla Español!!! Ahora si...en medio de tanta explosión con LOST, me costó bastante acostumbrarme a no ver a Kate, Sawyer, Locke y Hugo. Cada vez que lo veía a "Jack" quería gritarle..."Guarda con el Humo negro!!!!". Deciciones de Casting, que quizas en esto no beneficien demasiado, pero en la Taquilla seguro que si. Y como me gusta decir a mí: Taquilla mata historia.
















7 y 8) No hay. Si "Vantage Point" fue anunciada así y esos puntos no están, porque yo desde este blog, voy a estar obligado a hacerlo.


Vantage Point entretiene, y lo hace bien. La mayoría de estas "críticas" me surgieron repensando la película y tratando de analizar esa sensacion que dejan las peliculas made "Entrerely on Hollywood" Lleno por fuera, vacío por dentro. Pero que pase un lindo rato, con pochoclo en mano...a quien se lo puedo negar. Y que sé yo. Quien soy para decir si el unico motivo del cine es el "arte", o la refelxión. Esta entretiene. Nada más.

Paranoid Park (o El arte en lo Terrible)

Primero y principal: es una película de Gus Van Sant. A la derecha los que quieran seguir. A la izquierda y saliendo por la puerta chiquita de madera los que no disfruten de su estilo. Aclarado esto, les cuento sensaciones sobre Paraonoid Park.
Y digo "Sensaciones", porque eso es lo que me dejó toda esta maravilla de película. Hablar de la "historia" propiamente dicha es casí faltarle el respeto a la cinta entera. Muchos acusaron a este film de tener una historia "poco interesante" y "simple". Esos, seguramente los que salieron por la puerta de la izquierda, creen que uno puede separar "la historia" del resto de la película.

Porque la historia es simple, y no sencilla, creo que los elogios se multiplican. Además desde cuando hablamos de una película sin ver el todo. Porque la película es eso. Un todo. Y ahora si, vuelvo al "Paranoid Park"
Cualquiera de los componentes que querramos ver, son dignos de elogio.
Estructura Dramática, altamente apropiada y sumamente atrapente
Fotografía: Sacarse el sombrero es poco. Habría que sacarse la cabeza.
Banda Sonora: Se Puede elegir temas tan dispares que parezcan hechos a medida de cada escena? Si se puede. Van Sant lo hizo.
y podriamos seguir enumerando elogios...














Es el cine de Van Sant que nos invita a recorrer un mundo de adolescente. Despues de la celebrada Elephant, el director continúa con su mirada a la temprana edad y nos deja un sabor, que mas allá de su orientación salado-dulce-amargo, es un sabor que no se va por un largo rato.
No son jovenes traumatizados al extremo. No son angeles. Son jovenes en una sociedad.
Van Sant los mira, y los radiografía. Ese dolor que los mueve, que los recorre, que los hace avanzar en patineta. Uno tiene la sensación de estar observando "algo más" que una película. Alejada del "Pochoclo" y el "comercio barato" Van Sant nos pone en escena una obra de arte. Profunda, contundente, pero sobre todo viva. Como un gérmen o una bacteria.














Es una película que narra con todos los elementos que el cine otorga, y aunque esto parezca obvio, creanme que no muchos logran este cometido.
Es un todo, completamente indivisible. Posee dentro de su "espacio fílmico" una de las escenas mas maravillosas que he visto en este ultimo siglo de cine, la escena de la ducha. No hace falta explicar cual, ni en que parte está. Si la viste no te la olvidas más. De esas que mientras las mirás estás en otro lado. De esas que trasportan, dicen y mueven .De esas que te hacen pensar.."Ah..esto era el arte...". "Menos mal que miré esta película". Todo lo que se puede decir con una ducha. Es demasiado.
Es un cine Van Sant. Y eso debería decir todo. Tanto para los que lo odian, tanto como para los que lo aman.
Solo puedo decir: Mirala. Si te gusta aplaudí. Si podés...olvidala.

Disturbia (o La Ventana Discreta)

Disturbia, bien podrá llamarse "La ventana Discreta". Obviamente haciendo un juego de palabras y comparandola, porque es inevitable, con aquella extraordinaria cinta de Hitchock.
¿Y porque compararla? Preguntaran algunos. Y yo responderé. Es imposbile no compararla cuando tiene tantas cercanias(algunas lejanas) a la cinta original.


Una persona que "imposibilitada de salir al exterior", comienza a observar a sus vecinos. Luego sospecha de que su vecino es un asesino. E investiga desde "lejos" con la ayuda de un amigo y su "novia". Hasta acá podriamos decir que este resumen podria aplicarse a cualquiera de las dos cintas. ¿Cual es la diferencia entonces? En que a la "La ventana indiscreta", la filmó Hitchcock.


Disturbia no es una mala película. Si alguien no vió su antecesora y no tiene idea de su existencia, esta podrá parecerle interesante y hasta algo creativa. Porque logra momentos de suspenso. Porque algo de aquella "ventana" queda y el acto de "mirar" nos identifica a todos.
Pero si alguein que vio, y apreció la de Alfred, esta se quedará a mitad de camino, o quizas, muy cerca de la salida.
















El principio es arrollador. El accidente "choca" e impacta. Escenario drámatico planteado.
Luego se convierte en predecible.
Y donde podría haber tenido la vuelta, y despegarse de aquella karmatica película predecesora es en el desenlace. Muy interesante hubiera sido el planteo de que todo esto no era así. Y darle un giro así a la historia. Que el asesino fuera un simple vecino, y todo era producto de la paranoia del encierro. Si ya se que no es demasiado creativa...pero era disitnta...por lo menos.
En partes el guión deja agujeros dificiles de llenar. Pero que por el estilo de película que es, uno quizas no se las pregunta, o no hacen tanto ruido. Por ejemplo, hay una escena en que ella organiza una fiesta en su casa. El desde su confinamiento la espía. La casa llena de gente. Todos bailab. EL se pone celoso, pone musica fuerte y llama la atencion de ella que va hacia la casa. Hay un breve enfrentamiento que lleva a que el se le declare y le confiese que la ha espiado mas de una vez. Ella lo besa y juntos se van a un sillón a propinarse caricias. Por la ventana vemos pequeños flashes (utilizados interesantemente) del vecino, asesinando, o por lo menos salpicando una ventana. Ellos solo ven cuando baja una bolsa por la escalera. ¿Digo yo? Y la gente que estaba en la fiesta. Magicamente se han ido. Digo yo esto porque mientras la veía pense: "Ahora que esta toda este gente en el patio sería muy raro que el vecino hiciera algo frente a sus ventanas. Pero el vecino lo hace. Y los invitados de la fiesta...bien gracias.















Y esto no es un peguele a "Disturbia", porque como dije, entretiene, hace que el tiempo pase (siempre y cuando uno no caiga en la continua comparacion con la película protagonizada por Stewart). Pero convengamos que hacia el final de la película, en la persecución final, donde el busca a su madre en la casa del "asesino" yo me pregunto si alguien anotó cuantos pasadizos y pisos subterraneos tenía en esa casa. por lo menos mas de 5. Y muchos no se entiende porque, salvo para llevar la historia adelante. Porque tampoco le vamos a negar que la historia avanza y entretiene. Pero de coherecia...bien gracias.
Eso tiene Disturbia, no es buena película, no es mala. O Sí. Depende quien la mire. Ahora si el que la mira es Hitchcock...¿que estará pensando?
A destacar: Que bien que esta Carrie Ann Moss más allá de Trinity

La Antena (o Apostando a las ideas)

Hoy me senté a ver una película Argentina y tuve la sensación que no era Argentina. Y esto no es por menospreciar el cine Argentino, que nos ha dado grandes e importantes películas. Es hacer foco en algo que no se ve comunmente en estas tierras: la osadía, el animarse a más, el salir de lo preestablecido, de perderle el miedo a lo que la gente dirá. Es jugarsela por una idea, con creatividad, mucha creatividad, con talento, con prolijidad, con ambición, con muchos de los elementos que Esteban Sapir, director de "La Antena" sabe manejar y que son algo que ya nos mostró en su opera prima "Picado Fino".

Una película blanco y negro. Ambientada en una epoca retro-futurista. Una ciudad sin Voz. Un malvado llamado Sr. TV que planea robarle a la ciudad también las palabras, mediante un dispositivo que utlizando una de las unicas voces y trasmitiendolo, duerme a la ciudad y les roba las palabras que tienen. Un hombre Rata, un ser con un monitor en su boca. Un chico sin ojos (no ciego) que tiene voz. Especies extrañas cohabitando en unos escenarios de caracterisitcas netamente de principios del cine. Con texto para leer. Palabras impresas que son las palabras de los protagonistas, pero que a la vez interactuan en la acción. Una banda sonora sublime que hace lo suyo dentro de esta pieza de relojería que es "La Antena".
Es un guión que bien podría calificarse de "ciencia ficción". Que bien podría tener puntos en comun con peliculas como "Dark City". Donde lo estético roza una perfección abrumadora, que durante el transcurso de la película lo transporta a uno a otro lugar.

















Es la apuesta contante a una idea. Puede gustar (Muchisimo en mi caso) Puede no gustar. Pero nadie puede decir que Sapir no puso todo. Que se zambulló de cabeza tras una idea. Que un director sigua esa idea, y mantenga la fuerte convicción para hacer algo en lo que uno cree, es lo que me dice que tenemos tela para cortar en el cine Argentino. Mientras tengamos más "Sapires" dando vueltas. Mientras nos animemos a salir. Mientras nos permitamos volar y nos dejemos llevar por esas ideas que nos toman la cabeza. Porque acá las podemos hacer. Se puede. Sapir lo demostró. Y esperemos lo siga demostrando. Porque yo, como los habitantes de la ciudad, por un momento, me he quedado sin palabras.

Samaritan Girl (Samaria)

Kim Ki Duk. Ya nombrarlo nos hace pensar. Una película de Kim Ki Duk, es siempre una película de Kim Ki Duk.
Cuando se habla de "Cine de Autor" hay muchos ejemplos que nos vienen a la cabeza (Citemos los clásicos: Hitchocock, Welles, Burton, etc...); pero no debemos olvidar a este impecable director coreano. Con 48 años en su mochila, Kim (es lindo llamarlo como si fuera un amigo) ha logrado establecer una línea sobre lo que le gusta decir. Una coherencia demoledora lo hace hablar una y otra vez de un tema nada sencillo: las relaciones interpersonales. Y si bien la semilla es la misma, el molde es distinto en cada entrega.

"Primavera, Otoño, Invierno, Verano y otra vez Primavera" (pongamos el titulo completo, que para algo Kim la llamó así!!!), "El Arco", "Hierro 3", "El Tiempo"(sus obras mas comentadas) y esta "Samaritan Girl" se alinean bajo la misma premisa. Explorar a fondo, casi desde adentro las relaciones entre personas, de distinto sexo, del mismo, familiares, amigos, conocidos o desconocidos. Todo un universo de sensaciones revolviéndose en cada vínculo.
Todas estas envueltas bajo una sublime puesta en escena, con una elección de locaciones mágica y con todo el condimento audiovisual que el cine Oriental nos tiene afortunadamente acostumbrados.

Y así nace "Samaritan Girl". Una hermosa película que nos habla de la relación entre dos amigas, una relación que por momentos parece exceder la "simple" amistad y se deja entrever una relación de amor. Nos habla de una relación de padre e hija, cuando una madre falta. Nos habla de lo difícil de estas relaciones, de lo tortuoso que se puede convertir este lazo con otro.
Personajes tan bien delineados que pierden la línea. Historias tan retorcidas que ganan credibilidad. Belleza dentro de lo terrible. Y todo esto sin ser lo más minimamente explícito.
Una película que toca el tema de la prostitución, donde las escenas de sexo están pero no se ven. Y uno las siente. Un suicidio fuera de campo, sin siquiera ver el momento del salto. Solo el suelo. Un ruido y un líquido espeso que corre por la vereda.












Así es Kim, contando a partir de detalles construye la trama. Solo sabemos lo que es necesario. Los personajes hablan cuando lo tienen que hacer, no para explicar nada. Las metáforas inundan la pantalla y lo dejan a uno sin palabras, quizás sin entender de que me "habla". Pero que al final, uno de alguna manera entendió que fue lo que pasó.
Ejemplo a mi gusto encantador de esto, es la lección final de manejo del padre a la hija. Es un modo de decir: "de ahora en adelante vas a seguir sola, aprendé a manejarte". Y vemos como el padre se aleja en el auto de la policía y ella intenta alanzarlo, pero no sabe controlar bien el auto y termina encajada. Para mí, es maravilloso y tristemente trágico el final de esa película. Ese auto encajado nos habla mucho más allá del barro y un vehículo que no puede avanzar más. Pero estas interpretaciones son netamente mías, y no pido las compartan.
















También recuerdo casi con "extraña-emoción" esa especie de 'sueño' que se ve hacia el final de la película. Que por momentos parece ser un sueño de ella, pero que a mi modesto entender es una de las salidas que ve el padre, una salida a ese dolor que no puede superar. Excelentemente filmado en cámara lenta nos hace sentir que matarla es lo único que puede poner final ´feliz´a esta historia. Pero el padre toma otra elección, que a mi entender no queda muy lejana de este final ´soñado´.
Y así es "Samaritan Girl" una película hermosa que nos muestra el dolor, la belleza, el ser humano, como en una gran radiografía, casi perfecta. Que nos deja flotando en el medio de algo que no sabemos bien que es. Una especie de abandono, pero que por algo no nos hundimos, por algo seguimos a flote. Es una maravillosa historia del hipnotizante "Universo Kim Ki Duk"

DEJA VÚ (o Cómo arruinar una película y morir en el intento)

Hay películas que empiezan mal y terminan mal. Otras películas que empiezan bien y terminan bien. También hay películas que empiezan mal y terminan bien. Y otras películas que empiezan bien y termina mal. Hacía mucho tiempo que no veía una película que empezara bien, muy bien y terminara siendo mala, muy mala.

Eso fue lo que me pasó con DEJA VÚ, esta película de Tonny Soctt, que durante casi el 90% de la película me hizo estar atento, sorprendiéndome, fascinándome con la trama y lo que sucedía. Tratando de entender que pasaba y que no. Adivinando lo que podría llegar a ocurrir o lo que jamás pasaría. Y la trama venía excelente. Todo hasta que llegamos al final. El final, esos últimos 7 o 10 minutos que tiraron por la borda todo lo que se había encargado de construir.

Es que no puedo pensar en esto y no indignarme. ¿Porque tuvo que tener ese final?. Por que!!!! Creo que la respuesta está en es cosa que se llama “cine comercial” y esa otra cosa que se llama “público medio” al cual someten a una proyección de prueba, para analizar si el final les gusta o no. Y habrán votado que no. Y por eso le cambiaron el final por uno conformista, por uno que deje tranquilo a la mayoría. Con un “Final Feliz”, ese maldito Happy Ending que se metió hasta las entrañas del cine Industrial Hollywodense (En otros países o en el cine independiente mismo, se animan bastante más a no conformarnos, a contarnos las historias que sean con el final que tengan que tener.) Porque si algo me queda claro y me atrevo a discutírselo a cualquiera es que el final de esta película no era este que tuvo. Que se filmo con otra intención. Y que por algo se lo cambió. (Las secuelas del Huracán Katrina??)

La película tiene un sembrado de información impecable, digno de atender, de observar y de copiar. Las “Pistas” están situadas milimétricamente para que se queden en tu cabeza, pero no resulte obvio. También va “in cersendo” y cada vez uno parece entender más y más. Uno Parece ir sabiendo lo que puede llegar a pasar. Hasta un punto que lo que tiene que suceder es obvio. Y uno lo compraría sin dudarlo. Pero no, ahí cuando ya te prepararon para todo, cuando estas listo para aceptar algo, boooom, explota el “happy ending” en lugar del ferry. Nos quedamos devastados. Sin respuestas. Indignados. Nos sentimos estafados. Y eso que había logrado algo sumamente difícil, me había preparado para soportar, para aceptar que el Ferry iba a estallar. Que todos esos niños y mujeres de la maravillosa secuencia inicial iban a morir. Esa era una gran apuesta. Pero lo había logrado. La trama estaba dispuesta tan coherente que el final era lógico, aceptable y necesario. Pero no. Se ve que el Huracán Katrina los dejó sensibilizados y la vida tenía que sonreír.

Pensar que tenían las herramientas para crear una película única, que quedara atrapada en un espiral eterno, de nunca avanzar, y que a la vez fuera coherente por todos lados, pero no. No, no señores. Denzel llega y salva todo. Cambia el futuro. Disfrutemos de este final feliz!!! Pero no es que el final esté mal. Es el típico final de cualquier película de “cine pochoclo”, pero lo que molesta, lo que a uno le saca el sueño, es poder entender porqué, si tenía todo para ser genial, tenía todo para irse con una victoria contundente, porque lo tiró todo al final. Todo para encontrar ese final feliz. Todos se salvan. Todos felices. Hollywood! Despierta Mac Fly!!! La vida no es así. Hay historias que terminan mal…y sépanlo…son mucho mas interesantes que esas de finales forzados. Y obvio que todos queremos que una película termine bien, pero si la historia lo pide, si la historia lo lleva. No queremos que termine bien solo por el hecho de irnos a dormir más tranquilos. Eso no es el cine, o por lo menos eso no es el cine que me gusta ver.

Y cosas como estas pueden hacer que una película se convierta en mala. De un plano a otro. Pasa de ser un excelente película que uno volverá a ver 3 o 4 veces para comprobar que TODO cierra, a una película que uno pregunta ¿Por qué no habré visto esa del camello que llora? Pero bueno, el cine industrial es así. Pocas veces nos va a sorprender. Y yo que pensé que es este era el caso, ahora me he desilusionado. Una película que empieza bien, muy bien y termina mal, muy mal arruinada por un “Happy Ending”. Je! Que raro, acabo de tener un DEJA VÚ.

El Arca Rusa

Acción y Corte. 90 minutos pasaron entre estas dos palabras durante la grabación de “El Arca Rusa”, este maravilloso experimento que se ha convertido no solo en la toma más larga de la historia del cine, sino en la única película hecha en una sola toma. (“La soga” de Alfred Hitchcock es un caso diferente y puede ser analizado en otra oportunidad).

Filmada sin cortes y con un despliegue de más de 2000 extras está película será sin duda un hito en el extenso mundo del cine.

Su director Alexander Sokurov se propuso mostrar 300 años de historia rusa en 90 minutos reales, y lo logró. Está película, para algunos un documental, para otros una ficción, fue definida por sus realizadores como una visita guiada, por el museo Museo del Hermitage en San Petersburgo y por la historia de Rusia.

Este viaje, fue para mí, una persona con total desconocimiento de la historia rusa y sus personajes, algo tedioso y por momentos podría llamarlo aburrido. Sin embargo al finalizar la película el sentimiento general era de satisfacción. Es contradictorio, lo sé. Pero fue lo que me sucedió. Muy similar a aquella película de Gus Van Sant, llamada “Gerry”, que presentó en mí esta exacta dicotomía.

La imágenes de “El arca Rusa” son cautivantes y la banda de sonido interpretadas por un total de 3 orquestas en vivo fueron parte de esta “atracción hacia el film”; la otra parte era la plena conciencia de la proeza técnica a la que estaba asistiendo. Los huecos que dejaba esa “trama que yo no entendía”, eran fácilmente completados con la observación del despliegue que se estaba utilizando para llevar a cabo esta impensada empresa. Aun ahora pienso y me corre un frío por la piel. Una sola toma de 90 minutos, involucrando 2000 extras, recorriendo uno de los Museos más grandes y completos del mundo, conformado por 5 palacios, recorriendo 32 salas, teniendo solo 36 horas para el armado del museo y la filmación de la película, la interpretación de 3 orquestas en vivo…

Y creo que así funcionó en mi “El Arca Rusa”, funcionó como motor para ver que era eso de la Historia que me estaba perdiendo. Según una definición propia de Sokurov, la película: “No es solo un trabajo sobre las conexiones entre la cultura e historia rusa y europea, también es una película sobre el encuentro de una persona de Rusia y otra de Europa. Un encuentro entre dos visiones del mundo. Amor y atracción de Rusia a Europa. Y frialdad de Europa hacia Rusia”

Para Sokurov, el pueblo Ruso y gran parte de la población “Culta” de Europa, hay mucho más en la película que la concreción de una iniciativa técnica de carácter mítico (un filme de 90 minutos en una sola toma), hay contenido, hay simbolismo, hay reflexión sobre los lazos del Arte y la Historia con Europa y Rusia. Desgraciadamente para mi, solo pude apreciar esa “misión imposible” que plantea realizar un film sin cortes y quedar maravillado frente a las imágenes y la música que envuelven todo en algo mucho más llevadero.

Según Sokurov, de quien debí leer y ver bastante para poder comprender el significado del film, El arca rusa es “El arca de la cultura que nos rescata en medio las aguas congeladas”, haciendo alusión a esa ultima imagen del film, que es por demás de bella y poética.

Y ahora escribiendo esto no podría decir que es una película que no me gustó, no podría decir que no la volvería a ver. Solo podría afirmar que siempre voy a estar ávido de ver cosas distintas, apuestas gigantes de grandes hombres, desafíos desmedidos, propuestas impensadas.

Quizás si yo hubiera sabido más de historia Rusa, si hubiera sabido más de las relaciones entre Europa y este país, quizás hoy estaría hablando de unas de las películas más maravillosas que haya visto. Pero no fue así. Hoy puedo asegurar que sigo y seguiré maravillado con esta decisión de Sokurov de contar una película de 90 minutos en un solo plano y sin cortes. Arriesgando todo, poniendo toda la carne al asador, para contar a su manera y de manera altamente creativa 300 años de historia Rusa, en 90 minutos reales.